Arte contemporaneo

Stern von Afrika

Es la prueba de que nadie entiende el arte mejor que los dentistas

Khayman

Vlish

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Vlish

@Vlish escribió :

FIXED

Es la prueba de que nadie entiende el arte mejor que los dentistas bodegoneros

Khayman

Spiritualist artist Georgiana Houghton gets UK exhibition

Overlooked painter is becoming recognised as being decades ahead of abstract pioneers such as Wassily Kandinsky

https://www.theguardian.com/artanddesign/2016/may/05/spiritualist-artist-georgiana-houghton-uk-exhibition-courtauld

¡Buuuuum!

Sil

Bacon y su obsesión por la carne y por sus maestros, Velázquez y Picasso

El Guggenheim de Bilbao enfrenta en una gran exposición 50 cuadros del pintor irlandés, algunos nunca vistos en España, y 30 de grandes artistas que le influyeron

Ni florecillas bonitas, ni arbolitos, ni escenas bucólicas. Nada de eso hay. Hay carne: mórbida, ensangrentada, deseada, desasosegante, descuartizada. Tampoco engañaba sobre sus propósitos Francis Bacon: “Cuando veo un trozo de carne en la carnicería siempre pienso que debería estar yo”, afirmó en una ocasión el artista irlandés y recordó esta mañana Martin Harrison junto a un violento e impresionante tríptico, en el que algunos apuntan la figura del autorretrato del pintor. Esta obra, Tres estudios para una Crucifixion (1962), forma parte de la extraordinaria exposición que el Museo Guggenheim de Bilbao le dedica a Francis Bacon y a la influencia que ejercieron sobre él algunos artistas españoles como Velázquez, Picasso, Goya, El Greco, Zurbarán o Ribera. Harrison es el comisario de la muestra y editor del catálogo razonado de reciente publicación del pintor nacido en Dublín en 1909 y fallecido en Madrid en 1992.

No en vano, junto a ese tríptico se exhibe Cristo crucificado con un donante (1640), de Zurbarán. Y enfrente una de las cincuenta variaciones que Bacon hizo del retrato del Papa Inocencio X, de Velázquez, incorporando ese grito de horror y pánico que tomó prestado de la película de El acorazado Potemkin, de Eisenstein, de la reacción de la mujer cuando ve caer el carrito de su bebé en la famosa escena de las escaleras. No está el original porque esa obra de Velázquez no sale de la Galería Doria Pamphili de Roma. Al parecer, Bacon se negó a verla directamente y basó su serie en fotografías, en reproducciones.

“Era un tipo raro”, repitió Martín Harrison con ironía en alusión a Bacon, mientras mostraba las 50 obras del pintor y las 30 de otros grandes artistas, especialmente españoles, pero también franceses o asimilados, que conforman la exposición Francis Bacon. De Picasso a Velázquez, patrocinada por Iberdrola y abierta hasta el 8 de enero. Harrison insistió en que tampoco hay que hacer mucho caso a lo que decía Bacon, porque era “muy camp”, le gustaba exagerar y epatar a la gente. Porque no es verdad, por ejemplo, que no le gustara el Guernica, de Picasso, explicó el comisario, aunque sí es cierto que el periodo que más apreciaba del pintor malagueño era el comprendido entre 1927 y 1933.

Picasso fue uno de sus grandes maestros. Proveniente de una familia de clase media-alta sin ninguna formación ni vinculación con el arte, Bacon decidió ser pintor cuando, con 17 años, vio la obra del malagueño en la galería Paul Rosenberg. En sus primeros cuadros se deja notar notablemente. El propio Bacon reconoció el magisterio de un pequeño cuadro, expuesto en Bilbao, Figura femenina en una playa, de 1927, que es, en realidad, una llave fálica entrando en una cerradura.

Tampoco se ha salvado mucha documentación de Bacon, como cartas o escritos donde hable de su pintura y de su obra. Solía destruir toda su correspondencia. Y en las cartas salvadas por sus amigos, el artista sólo se refería a deudas que había saldado o debía saldar por su afición al juego o pedía disculpas por su comportamiento en una noche de borrachera. "Ese es el privilegio del artista: ser intemporal. La pasión te mantiene joven, ¡y la pasión y la libertad son tan seductoras!, Cuando pinto, no tengo edad. Sólo siento el placer o la dificultad de pintar", decía Bacon. Hasta la década de los setenta, no logra un gran reconocimiento internacional. Y fue clave su gran exposición en París de 1971. Fue el primer artista vivo, después de Picasso, al que el Grand Palais le dedicó una retrospectiva.

“No encontrarán florecillas, ni arbolitos”, reiteró Harrison haciendo de cicerone en el paseo por las amplias salas del museo diseñado por Frank Gehry, donde los enormes lienzos de Harrison no solo respiran estupendamente, como dicen los expertos, sino que incluso pueden hiperventilar. E incidió en que, a pesar de lo que se pueda pensar del cuadro de la violación anal (Figura tumbada en un espejo, de 1971, préstamo del Museo de Bellas Artes de Bilbao), la obra de Bacon no es especialmente violenta.

Sí existencialista, agregó, como se puede comprobar en buena parte de sus obras o en las afinidades electivas de este irlandés, británico de adaptación y afrancesado de formación y cultura (era un ávido lector de Baudelaire y Proust y un apasionado de Degas, Manet o Seurat), que vivió en Londres, París y Mónaco y pasaba temporadas en España. Sentía también verdadera admiración por los dibujos y pinturas de Giacometti, del que se exhiben dos obras en la muestra, pero no por sus más conocidas esculturas.

Una parte importante de la exposición se vio el pasado verano en Mónaco (la Fundación Grimaldi colabora en la organización), si bien esta selección se centraba más en la influencia francesa. El director gerente del Guggenheim, Juan Ignacio Vidarte, y el presidente de Iberdrola, Ignacio Sánchez Galán, saludaron la exposición como una oportunidad única para conocer algunas pinturas nunca vistas en España del creador.

Con préstamos de diversos museos, entre ellos el Prado o el Pompidou, y de colecciones privadas la muestra de Bilbao incluye también algunas rarezas en la trayectoria del pintor. Es el caso de una pintura prácticamente abstracta. Se trata de uno de los escasos paisajes de Bacon, Mar, de 1953, un espléndido lienzo con reminiscencias a Rothko. “Pero él odiaba que alguien le pudiera definir como expresionista”, apostilló el comisario.

Harrison rechazó de plano la opinión de que Bacon hacía arte abstracto desde su figuración. “No es verdad, tiene toda una iconografía, y los pájaros forman parte de ella", además de sus amantes y los hombres de su vida. "El pinta figuras”, remachó. “Bacon es un pintor figurativo, pero sus cuadros están impregnados de ideas abstractas”, ha declarado, por el contrario, David Lynch, confeso admirador de Bacon, como otros muchos cineastas, pintores y artistas en general, cuyas obras son deudoras de la visión existencialista y descarnada del ser humano de un pintor cuya influencia no deja de crecer, al igual que la cotización de su obra.

Excusa perfecta para ir a tomarse unos pintxos

Diver

A Shostakovich, por cierto, le dieron el Premio Stalin. Digamos que su relación con el Partido fue similar a la de Strauss con el suyo.

Sobre Shostakovich y su relación con el poder soviético es bastante recomendable la última novela de Julian Barnes, El ruido del tiempo. No es lo mejor de Barnes pero es que el listón está muy alto. En todo caso, recomendamble, insisto, sobre todo si te interesa el tema.

Y la relación no es tan simple como sugiere tu frase, Afri. Shostakovich -que, como dice Khayman, de bolchevique no tenía un pelo- fue perseguido y manipulado por el régimen soviético. Al final, ya con Kruschev recibió el premio Stalin (y se afilió al Partido a regañadientes) que fue otra forma de manipularlo. Manipulaciones a las que el se sometió, ciertamente, pero con toda probabilidad, tal como sugiere la novela de Barnes, por miedo.

Khayman

Un compositor contemporáneo amiguete ha soltado esta gema en una discusión. No puede ser más instructivo:

Volviendo un poco al tema que nos ocupa. En este momento y a grosso modo existen dos tipos de compositores: Los que tratan de ir hacia adelante y los nostálgicos que le quieren dar otra vuelta de tuerca a algo que ya no es posible dársela. Los primeros creen que un artista debe buscar nuevos caminos, ampliar perspectivas, enseñar nuevas formas de escuchar, ver, apreciar el mundo. Los segundos creen que en algún punto a principios del XX perdimos el rumbo y retoman desde ahí esperando descubrir el hilo negro.

Lo que a muchos no les queda muy claro es que hemos llegado al punto de no retorno. Estamos asistiendo al fin de la música como la conocemos, por lo menos la clásica. La música tiene muchos parámetros, pero los principales son melodía, armonía y ritmo, que, como sabemos, no tienen que estar siempre presentes. Puede haber música sin melodía, sin armonía, sin ambas, pero jamás sin ritmo.

La armonía está agotada desde hace un siglo. Hace más de cien años que Ornstein y Cowell expandieron el concepto de Cluster que ya se encontraba en algunos Rags de Joplin y Morton. Me explico, un acorde tiene de menos tres sonidos. Un acorde mayor se compone de una tercera mayor y una tercera menor. A ese acorde le añadimos otra tercera y se construye el acorde de séptima en el renacimiento para establecerse con Monteverdi, luego viene Wagner y le añade otra tercera y tenemos el acorde de novena, luego Debussy le pone otra más y sale el acorde de oncena, luego viene Ravel y sale el de trecena, (todo esto simplificado al máximo)... hasta que llegamos al total cromático con los doce sonidos de golpe, el cluster. Una vez llegado a ese punto se agotaron todas las combinaciones armónicas posibles con doce notas porque ya no hay mas notas para combinar. En el campo de la armonía hace mucho que ya no hay nada que hacer.

El ritmo es practicamente una mina innagotable. Se pueden escribir ritmos complejísimos e interesantísimos. El problema es que no son humanamente tocables. Así que de nada sirve tener una mina con un amplia gama de posibilidades si no es posible tocarlos. Por eso compositores como Nancarrow recurrieron a instrumentos mecánicos como las pianolas para poder explorar esa faceta.

La melodía es otra cosa que ya no da para más. Tanto la tonal como la atonal es una repetición constante de los mismos giros melódicos con mejores o peores resultados.

Por eso los compositores del primer grupo se enfocan en otros parámetros como la textura, los timbres, que es otra mina enorme que ha permitido mucha libertad de movimiento, la música creada por medios electrónicos, etc.

Significa eso que ya se acabó la música clásica? Para nada. Los compositores del primer grupo le están clavando los últimos clavos al ataud mientras abonan el campo para lo que sigue. Los del segundo grupo insisten en seguir dando respiración de boca a boca a ver si resucita. Si ya no podemos avanzar con nuestro sistema de doce sonidos la solución no es seguir en lo mismo, como hacen los neos, ni tirar la toalla, sino ampliar la paleta de sonidos. Por eso cada vez más compositores se interesan por los microtonos. Con un sistema en tercios, cuartos, quintos, sextos,... de tono tendríamos nuevas posibilidades armónicas y melódicas para siglos.

Desde luego no sería la primera vez que esto sucede en la historia. En el siglo VI A.C Terprando agregó un sexto tono a la escala pentáfona produciendo una revolución musical. Bajo el mismo principio añadio más tarde otro tono produciendo la siguiente revolución. Lo que uno tiene que hacer es decidir si quiere ser parte de su tiempo o si quiere vivir en el pasado.

Khayman

Otra cosa mariposa. Con John Adams y Philip Glass albergo alguna duda pero estos cinco compositores contemporáneos, aunque alguno tarde más de un siglo, pasarán a la historia. Avisaos quedáis

Michael Jarrell, Toshio Hosokawa, Akira Nishimura, Ivan Fedele y Bruno Mantovani

Stern von Afrika

@Diver escribió :

A Shostakovich, por cierto, le dieron el Premio Stalin. Digamos que su relación con el Partido fue similar a la de Strauss con el suyo.

Sobre Shostakovich y su relación con el poder soviético es bastante recomendable la última novela de Julian Barnes, El ruido del tiempo. No es lo mejor de Barnes pero es que el listón está muy alto. En todo caso, recomendamble, insisto, sobre todo si te interesa el tema.

Y la relación no es tan simple como sugiere tu frase, Afri. Shostakovich -que, como dice Khayman, de bolchevique no tenía un pelo- fue perseguido y manipulado por el régimen soviético. Al final, ya con Kruschev recibió el premio Stalin (y se afilió al Partido a regañadientes) que fue otra forma de manipularlo. Manipulaciones a las que el se sometió, ciertamente, pero con toda probabilidad, tal como sugiere la novela de Barnes, por miedo.

A Richard Strauss también lo putearon y, sobre todo, lo manipularon los nazis, por eso decía. Los casos de Shostakovich y Strauss no tienen nada que ver, por ejemplo, con el de Pasternak. El suyo sí fue puteo a saco, aunque no fuera al Gulag.

Vlish

Lo de Bacon en Bilbao tiene una pintaza hipercojonuda.

Un saludo

Vlish

jotdown.es/2016/10/stalin-los-ingenieros-del-alma/

Otro buen articulo sobre las desdichadas vanguardias bolcheviques en los primeros años de la URSS.

Un saludo

Vlish

Vi de casualidad un documental sobre la artista Laurie Lipton y me he enamorado (artisticamente) de ella.



Con mucha mas mala leche y con una tecnica mas depurada que Bansky, imo, sus dibujos no solo te impactan en el estomago, tambien en la cabeza, el nivel de los detalles es increible, y obviamente hay toda una historia en cada obra.



Sufrio abusos con 4 años, y a pesar de todo hay sigue, una feroz activista de izquierdas, una outsider del mundillo artistico y con muchas ganas de decir cosas, dibujando, claro.



Mucho mas en su web

laurielipton.com/

Ah, el documental esta bien, muy bien.

Un saludo

Stern von Afrika

Mola

Vlish

Otra reparacion donde se supera el original, incluso con cierta imaginacion podria ser que Cthulhu tuviese mama.

Un saludo

Vlish

elmundo.es/comunidad-valenciana/2016/10/30/5815cf04e2704e842c8b45fc.html?cid=MOTB23701

No solo es que el escandalo haya muerto, es que la performance como arte ha envejecido muy malamente.

Pelin ridiculo lo de Valencia, lastima.

Un saludo

Sil

este finde estuvimos en Bilbao para ver la expo de Bacon y de paso comernos unos pintxos de txangurro y:
Para los amantes de Bacon es imprescindible, muy redonda, completa y bonita, y además no está organizada por orden cronológico, cosa que se agradece.
Lo que no nos convenció mucho fueron los cuadrors de otros artistas. Salvo el famoso Inociencio no sé cuantos (que ni siquiera era el original de Velázquez) y un par más, los demás parecían un poco forzados y si uno es mal pensado y se lee el catálogo con suspicacia, parecía que había ahí algo de chauvinismo en plan "cómo molamos, Bacon era superfan de lo español"
Ah! Y absolutamente lamentable la iluminación de algunos cuadros que, por el efecto del cristal, parecían espejos.
Aun así, muy muy recomendable para los taraditos del arte moderno

Vlish

Envidia, mucha envidia.

Un saludo

Khayman

Esto de los vandalo-artistas creo que debemos catalogarlo ya como vanguardia verdadera

Vlish

Vanguardia Pop ¡¡¡¡ ^:)^ ^:)^ ^:)^

Vlish

Vlish

Repito dos imagenes de dos de mis cuadros favoritos, ambos futurocubistas, osea que intentan mezclar la idea de movimiento mediante la repeticion sucesiva de la imagen, tipica del futurismo, y del origen del cine, con la ruptura del objeto formal mediante diferentes puntos de perspectiva, tipico del cubismo.



El afilador de Malevich (1913).



Desnudo bajando una escalera. Duchamps (1912)

Un saludo

Khayman

El primero me mola más aunque ambos me parecen evoluciones lógicas. Darle una vuelta más a la rosca del cubismo es mostrar el mundo de manera caleidoscópica.

Bueno, yo venía a compartir una frase de uno de los dioses mayores de mi panteón particular que me acabo de encontrar por el hinternec:

“En arte, lo verdaderamente original repugna a las masas.”
Enrique Jardiel Poncela

Vlish

MahaNakhon es un rascacielos de uso mixto ubicado en el distrito financiero de Sathon, en Bangkok, Tailandia.1 Diseñado por el arquitecto alemán Ole Scheeren, tiene la singular apariencia de una torre cuadrada con una espiral de superficies cuboidales en las caras del prisma. Es el edificio más alto de Tailandia con 314 m de altura y 75 plantas, superando los 304 m de la Baiyoke Tower II

Chulada de rascacielos ¡¡¡

Un saludo

Jabba

Ominoso. Parece que se han estrellado un par de aviones...

Stern von Afrika

Ni idea de si es verdad, pero tiene gracia:



Este tuit premonitorio de los Simpsons sobre ARCO 2017 enloquece Twitter

Vlish

Mmmm, no veo un gran parecido entre la "estatua" de los Simpsons y la estatua, que tampoco se de muy bien, de Arco.

Por los tuits que he visto, nada nuevo o diferente a lo que se ha dicho aqui, "todo es humo", "mi niño de 5 años lo hace mejor", "yo pondria a esos artistas a picar piedras", el bodegonismo nunca muere y menos se calla ante cualquier asomo de arte conceptual, y encima caro.

Un saludo

Khayman

A la par que iba educando el oido a la música académica por mil veces me he tenido que comer mis palabras sobre tal corriente, compositor o suite.

Ahora que tengo algo más de criterio no puedo más que avergonzarme. AL FIN puedo señalar sin titubear a un compositor contemporáneo que haga basura y viva del cuento (Hola Pilar Jurado) pero también decir que el tiempo pondrá en el Olimpo donde residen Handel, Bach, Mozart y Beethoven al todavía no ponderado Olivier Messiaen. De hecho no van a ser muchas décadas, es posible que lo veamos en vida.

¿Qué quiero decir con esto? Que cuando me aproximo a otra manifestación artística, en este hilo pintura, prefiero siempre pecar de humilde. Si no se domina el campo un simple "me gusta por tal" o "no me dice mucho" es quedar como un señor.

Stern von Afrika

Vlish escribió : »

Mmmm, no veo un gran parecido entre la "estatua" de los Simpsons y la estatua, que tampoco se de muy bien, de Arco.

Por los tuits que he visto, nada nuevo o diferente a lo que se ha dicho aqui, "todo es humo", "mi niño de 5 años lo hace mejor", "yo pondria a esos artistas a picar piedras", el bodegonismo nunca muere y menos se calla ante cualquier asomo de arte conceptual, y encima caro.

Un saludo

Hombre, aunque tú no lo veas, el parecido lo tiene:



Y no sé si realmente esa cosa estará expuesta en ARCO, pero si es así, creo que podemos decir sin problemas que es una puta mierda.

Dejando aparte los comentarios de Twitter, he visto fotos de obras muy buenas expuestas este año en ARCO, no veo la necesidad de defender esa puta mierda (si es que realmente está en ARCO, que ya digo que no lo sé). Precisamente el empeño en defender putas mierdas como esa es la causa de que aparezcan mensajes como esos.

Vlish

Por aclarar, ni la defiendo ni la ataco, tendria que verla mucho mejor, pero vamos, tampoco me quita el sueño, ni la estatua ni Arco, que es un mercado de arte, muy legitimo pero no el mejor sitio para ver arte.

Un saludo